Réalisé par Peter Jackson et sorti en salle en février 2010, Lovely bones est un film qui mêle la vie après la mort et les vivants endeuillés. Ce dernier est tiré d’une histoire vraie et du livre « la nostalgie de l’ange », de Alice Sebold. C’est le triste récit d’une jeune fille de 14 ans, Susie Salmon, cruellement assassinée en 1973 lorsqu’elle rentre de l’école. Si en anglais le titre semble angélique, littéralement il signifie « adorables ossements ». Pour ce qu’il reste d’un corps meurtri après le pire qu’un être humain puisse commettre.

Un sujet bien réel et terrifiant

Il y a des sujets qui nous touchent plus que d’autres, pour ne pas dire nous affectent plus que d’autre. Il en est un qui me poigne et me pétrifie : celui des enlèvements et assassinats d’enfants. Je me souviens de la surprotection de mon père à ce sujet. De ses angoisses dès que nous sortions de la maison, de ses inquiétudes sur nos sorties après les cours et de ses multiples recommandations si nous venions à croiser un inconnu. Je me souviens des noms « Julie et Mélissa », qui résonnent encore dans ma tête. J’étais petite et nous vivions à la campagne lorsque cette affaire éclate. De ce monstre de Dutroux et de ce qu’il y a de pire en l’homme.

L’horreur et le rêve s’entremêlent

Briand Eno, Cocteau Twins et This Mortal Coil signent une bande originale qui transporte et qui mêlera, tout au long du film, une ambiance à la fois sereine et mélancolique. Si Susie Salmon est partie, elle reste présente du début à la fin. Elle est dans un autre monde fait de couleurs, accompagnée par d’autres victimes de son meurtrier. Encore faut-il y croire. Il se trouve que je crois à une certaine existence après la mort, à une âme qui « vie » une autre expérience. « Song to the siren » m’enivre et je pense à l’au-delà. À ces questions qui ne trouveront jamais de réponses. Ce genre de scénario détournera le regard des gens qui ne croient en rien, mais il rendra songeur les autres.

La funeste trame d’un fait divers

J’aime les films qui retracent de vraies histoires, mais je voudrais pourtant que celle-ci soit fictive. Susie Salmon a 14 ans en 1973. Elle aime la photographie et use ses pellicules à tout capturer, avec le plaisir de l’attente et la joie de la découverte. Malgré un fond sombre, le réalisateur a mis beaucoup de lumière dans ce film. Cette jolie petite fille blonde aux yeux bleus est insouciante et entourée d’amour. Ses parents, sa grande sœur et son petit frère comblent les journées de cette adolescente en devenir. Mais à l’aube d’un premier rendez-vous galant, en traversant un champ après l’école, sa route et son expérience sur terre s’arrêtent. Elle fera la mauvaise rencontre et suivra innocemment un homme, son voisin. Ce dernier lui dit avoir une chose incroyable à lui montrer. Elle hésite puis se laisse guider par sa curiosité. Le spectateur sait que c’est un malade. Stanley Tucci joue à merveille un rôle ô combien difficile : celui d’un pervers et d’un tueur. Sa solitude, son air sinistre et son regard vicieux ne trompent pas : c’est le mal. À cet instant du film on crie intérieurement. Cette scène marque la fin de Susie. De ces scènes que l’on ne verra jamais et qui ont marqué d’autres fin de vie. À ces questions sans réponses : que lui a t’il fait subir ? Combien de temps a t’elle souffert ? Où est ce corps que l’on ne retrouvera jamais ?

S’en suivra des parents éplorés. Un père en colère et une sœur en quête de vérité. Au fil des années, le papa développera les photos de sa fille et sur l’une d’elle : monsieur Harvey, l’assassin. Il y a deux histoires en parallèle, celle de parents qui se reconstruisent comme ils le peuvent, et celle de Susie qui est au ciel et accède tout doucement à ce que nous appelons le paradis. Dans un entre deux, elle observe sa famille et envoie des messages à ses proches.

Dans l’univers de Susie les tons sont vifs et l’atmosphère pacifique. Sur terre, la douleur prend toute la place mais la vie continue, même après l’insoutenable. Parce que nos morts sont présents. Parce que nous n’avons pas le choix.

Un entre-deux monde onirique

Si le souhait pour ce réalisateur néo-Zélandais est de représenter l’entre-deux monde, je suis quelque peu dérangée par l’image qu’il donne à voir de cet univers. Le numérique y prend trop de place avec des changements d’environnements trop brutaux. Comme lorsque Susie passe d’un champ de fleurs à un prés enneigé. Il semblerait, d’après les critiques, que le livre ne fasse pas état de cet entre-deux, trop exploité par Peter Jackson. Malgré cela, Saoirse Ronan, qui interprète Susie Salmon, est incroyable. Douce et céleste. Dans les limbes, cette dernière peine à comprendre qu’elle est morte et porte encore ses vêtements du jour fatidique. On laisse de côté le crime pour se plonger dans son regard.

Les intermèdes oniriques permettent de prendre de la hauteur sur ce drame qui nous est raconté et qui en raconte tant d’autres. C’est aussi pour cela que je suis touchée. Car dans les yeux de Susie, je vois ceux de ces enfants qui ont un jour croisé la pulsion destructrice d’un malade. Je regrette la fin de ce dernier, qui mourra bêtement. Je m’interroge également : peut-on de toute façon punir un « être » dépourvu d’affect ?

Un film rayonnant

Ce film reste néanmoins rayonnant malgré son scénario et c’est en cela que c’est du beau travail avec de très bons acteurs (on retrouve également Mark Wahlberg). La BO est sublime et je vous conseille d’écouter certaines musiques. Pas de pathos ici, on ne pleure pas à chaudes larmes car Susie est toujours là : c’est la force de Lovely Bones, car la personne assassinée ne disparaît pas. C’est l’absence qui bouleverse, mais ici le spectateur peut suivre ce qu’il advient de cette jeune victime.

Sortie en salle le 9 janvier 2019, la comédie « Les invisibles », réalisée par Louis-Julien Petit, mêle à l’écran comédiennes et femmes de la rue. Filmé dans le nord de la France, ce film/documentaire dresse sans pathos la vie des assistantes-sociales qui tentent d’aider des personnes accueillies par le centre de jour « L’ENVOL ». Le titre est fort, puisqu’il présente les femmes de l’ombre. Celles qui soutiennent et encouragent des femmes en grande précarité.

Je vois passer l’affiche sur mon écran une fois, deux fois, trois fois. Je mets le film en route, puis l’arrête. Une crainte m’anime : celle de tomber dans le misérabilisme et la tentative éplorée d’une prise de conscience. Celles qui me poussent à le regarder sont Corinne Masiero et Audrey Lamy. La première, je l’aime depuis le début. Authentique. Pour Audrey Lamy, j’ai souhaité la voir dans un autre registre en espérant qu’elle me surprenne. C’est peu dire, puisqu’elle est incroyable.

Une comédie sociale sous le signe de l’autodérision

Du début à la fin, ce film nous présente les méandres de femmes qui n’ont pas trouvé leur place. Pour autant, certaines ont fait des études et ont eu un emploi. Elles ont eu une vie « normale », avant de flancher. Pour les aider : une équipe d’assistantes-sociales. Elles sont différentes mais ont le même objectif : pousser chaque personne à trouver du travail et à réaliser quelque chose. Concevoir un CV, se présenter ou encore réparer une machine à laver sont les actions quotidiennes qu’elles mettent en place lors d’ateliers thérapeutiques. Elles sont tellement proches des femmes qu’elles aident, que l’on ne dissocie par très bien qui sont les unes et qui sont les autres. Le trait d’humour d’Angélique, jouée par Déborah Luku­muena, est excellent et anime dès le début ce long-métrage. Les SDF aussi ont de sacrés tempéraments, c’est d’ailleurs la force de cette comédie : traiter un sujet de société avec humour.

Je retiens le mot « personnalité » car les réparties fusent dans un scénario simple qui arrive à nous amuser de situations pourtant dramatiques. L’autodérision règne et on parvient à se dire que oui, on peut vraiment rire de tout.

Les invisibles : rester digne jusqu’au bout

Pour préserver leur fierté, ces femmes s’inventent des noms de personnages célèbres. Comme pour masquer la peine et mettre du vernis sur une vie chaotique. Lady Di, Brigitte Macron, Dalida, Edith Piaf, Beyoncé, etc. L’autodérision commence là ou certaines scènes nous donnent le sourire quand des anonymes se présentent sous un nom qui fait rêver le temps de le dire. Ces femmes fortes portent à bout de bras des cabas, comme elles portent à bout d’épreuves un quotidien pénible, mais adoucie par les actions d’ENVOL.

On voit ici Audrey s’investir pleinement. Comme lorsqu’elle rappelle le 115 sans discontinuer jusqu’à obtenir des lits. Sa persévérance se poursuit même le week-end lorsqu’elle convit Chantal, interprétée par Adolpha Van Meerhaeghe, à venir participer à un match de foot avec ses amis. Adolpha joue son propre rôle et ce n’est pas la seule. Son personnage a fait de la prison et ne peut s’empêcher de le dire lors d’entretiens d’embauche. À rebours des recommandations d’Angélique et d’Audrey, elle ne pourra s’empêcher de dire sa vérité. Celle d’une femme battue qui a besoin d’assumer pour avancer. Car c’est aussi cela la dignité : savoir regarder son passé, l’affronter et avancer en écrivant de nouvelles pages. Chantal nous déride par sa franchise. Une peau rude au grand cœur.  La seule femme SDF interprétée par une actrice est Julie, jouée par Sarah Suco. J’ai été agréablement surprise car j’aime beaucoup cette actrice qui sait à chaque fois incarner avec justesse ses personnages. Elle se mêle délicatement dans ce groupe et interprète une jeune fille pommée qui peine à s’en sortir.

Des aidantes et des aidées qui se battent comme elles le peuvent

J’ai pu lire cette critique : « Avec l’humour comme arme contre la misère, Les invisibles est avant tout un film de combattantes dans lequel la lutte est plus importante que l’objectif quasi utopique à atteindre ». Il est vrai que le personnage d’Audrey m’épate. La fonction qu’elle illustre ne peut se dégager d’une vie personnelle. Vie laissée de côté pour aller au bout d’une mission qui n’en a pas : augmenter le nombre de réadaptation et donc l’indépendance pour des femmes mises aux bancs cloutés de la société.
Certaines assistantes sociales peinent également dans leur vie privée. C’est le cas de Hélène, jouée par Noémie Lvovsky. Cette femme issue de la classe moyenne privilégiée fuit un mariage qui s’effrite. Ce qu’elle porte à bout de bras ? Son dénis. Le projecteur est donc également tourné vers les préoccupations des bénévoles qui aident les autres pour se sauver du cahot quotidien dans lequel elles vivent.

Telles des secondes mères, elles finiront illégalement par accueillir la nuit, dans le foyer de jour, ces femmes isolées. Elles se feront maladroitement trahir par l’une d’elle. La fin du film nous montre leur exclusion par des CRS. Une à une, ces femmes quittent l’ENVOL sur des matelas. Comme un long tapis déroulé jusqu’aux portes d’un bus, elles s’en vont. La  beauté de cette dernière scène ne nous fera pas tirer les larmes. La musique est  joyeuse et ces femmes ont la tête haute. Les sourires sont bien présents et ont sent que la lutte va se poursuivre. J’ai bien souvent pensé au film « Police », réalisé par Maïwenn. Des aidantes et des aidées qui se battent comme elles le peuvent.

C’est l’histoire d’un mec…

J’écoutais en parallèle de cet article Audrey Lamy sur France Inter, dans l’émission « Boomerang ». Augustin Trapenard lui a fait remarquer qu’on entend peu la parole des personnalités médiatisées pour dénoncer un faussé qui se creuse, tout du moins qui ne faiblit pas. Car il ne suffit pas d’en parler pour s’engager. Il  faut le crier, il faut le répéter et en faire sa révolte. Il faut emporter les gens avec soit, comme le faisait Coluche en son temps. Je me questionne, tout comme le chroniqueur, sur le manque de courage de nos stars du moment. Certes elles peuvent se montrer aux enfoirés, mais ce n’est pas cela se battre et dénoncer. J’aimerais retrouver un humoriste comme Michel Colucci, qui osait dire ceci aux micros d’une radio nationale en 1981 :  « On est dans la merde en France. C’est-à-dire que moi personnellement ça va, j’ai gagné du pognon et  j’le dit tout l’temps j’en ai rien à foutre, je vais m’tirer, mais pour ceux qui sont obligés de rester c’est l’bordel. C’est vraiment pas bien. Y-a une pyramide sociale où Y-a un mec qui est en haut tout seul, Giscard, vous m’direz Y-a du vent la haut car Y-a beaucoup d’mecs qui veulent sa place. Et plus on descend plus on est nombreux. Et quand on arrive en bas on est vraiment dans la merde. Et moi c’que j’voudrais, c’est qu’on remue la merde et que l’odeur monte jusqu’au nez de ceux qui dirigent et qu’au lieu d’être tournés vers l’intérieur soient tournés vers l’extérieur, qu’ils se disent « tient qu’est-ce qu’il y a qu’est-ce qu’il se passe, ah oui on leur prend tout leur pognon ». ».

Ce film nous montre la ténacité et la force. C’est pour moi un film sur la dignité, sur l’espoir et l’entraide. Il est simple, un peu gris peut-être, mais on s’y attache comme on s’attache aux personnages.

Je constate qu’il y a peu d’hommes, un parti-pris compréhensible, mais ne les oublions pas.

Quelques critiques et l’ITW de Audrey Lamy dans Boomerang : https://www.telerama.fr/cinema/films/les-invisibles,n5831838.php
https://www.avoir-alire.com/les-invisibles-la-critique-du-film >> https://www.franceinter.fr/emissions/boomerang/boomerang-08-janvier-2019

Sorti en 2015,  « La saison des femmes » est un film écrit et réalisé par Leena Yadav. Est exploité dans ce drame la condition des femmes au sein de petits villages dans le nord de l’Inde, comme c’est le cas pour le Gujarat, où l’histoire s’inscrit. Le film oscille entre émancipation et dure retour à la réalité pour des jeunes femmes en mal de liberté.

Un film qui se démarque par son scénario
Dans le nord-ouest de l’Inde, une communauté vit au rythme des normes patriarcales. Les hommes s’y amusent et boivent beaucoup. Les femmes, isolées, cherchent elles aussi à prendre du plaisir dans un climat oppressant. Trois amies cultivent alors leur imagination pour une autre société possible. Celle du téléphone portable, de la télévision, du mariage consenti et de l’accès à l’éducation. Elles veulent disposer du droit des hommes et être indépendantes. Si la trame de fond fait partie des sujets dit « classiques », la forme l’est moins puisque le scénario apporte une touche plus romanesque que documentarisée. Les origines cinématographiques de la réalisatrice expliquent plusieurs passages très légers dans le dialogue et une atmosphère digne des productions Bollywoodiennes. L’aspect très juvénile de films pour jeunes filles et le romantisme naïf est présent du début à la fin et surprend. Cependant, tout cela est complété par d’autres séquences beaucoup mieux orchestrées et cela apporte quelque chose de neuf dans le cinéma ! Cette technique rompt le pathos et apporte beaucoup de dynamisme à un long métrage qui aurait pu prendre une tournure beaucoup moins accessible et tragique s’il n’y avait pas ces nombreux traits de légèreté.

Rani, Lajjo et Bijli : un trio surprenant
Dans les villages reculés et exposés de cette réalisation, la liberté n’a pas de prix car elle ne s’acquière pas. Sous le contrôle de leurs maris, de leurs chefs de village ou de leurs propres fils, les femmes font ce que l’on attend d’elles : faire à manger, effectuer les tâches ménagères et enfanter. Le déroulement du film expose les nombreuses difficultés de s’affranchir, comme la possibilité d’avoir un emploi ou de lire. La peur des hommes étant qu’une femme devienne plus intelligente en s’instruisant. L’autre atout du scénario est celui de la personnalité de ses personnages, trois femmes complètement différentes où chacune va trouver chez l’autre ce qui lui manque. Rani, interprétée par Tannishtha Chatterjee, est une veuve qui subit au quotidien un fils, Gulab, alcoolique et violent avec sa jeune épouse. Lajjo, interprétée par Radhika Apte, est sa plus fidèle amie. La première scène du film les montre dans un bus, Lajjo est plus délurée et aime rire fort et haut, sans remettre constamment son voile comme le fait Rani. Lajjo est battue et n’arrive pas à enfanter d’un mari alcoolique. Cependant, elle garde son sourire qui dévoile de belles dents, grandes et blanches, qui illuminent son visage. Puis, l’élément qui s’ajoute à ce trio est surprenant puisqu’il s’agit de Bijli, une danseuse prostituée très libérée interprétée par Surveen Chawla. Cette femme très séduisante et provocatrice apportera beaucoup de frivolité à ces femmes frustrées.

Entre drame et comédie
L’appellation « drame » peut sembler surprenante tant on jongle régulièrement entre des moments de rire et des moments de violence. Au moment où l’on pense que la femme gagne un petit combat d’émancipation, elle replonge dans la minute suivante dans son quotidien voué à ne pas changer. Cette production est donc particulière et nous bouscule (mais n’est-ce pas là le rôle du cinéma ?). D’une scène déchirante où une femme supplie le chef de son village et ses parents de ne pas retourner vivre chez sa belle-famille où elle se fait violer de tous, on passe à une scène où deux amies complices rient aux éclats en rêvant d’un bel homme les caressant. Le rire règne et le courage de ces femmes force l’admiration. Même en sang, même boitant après un énième viol, elles gardent le moral et ne s’économisent pas sur les plaisanteries. À ce sujet, la cinéaste l’explique ainsi : « plus on est triste, plus on a besoin de rire, plus on a besoin de se sentir vivant ».

Un mélange de poussières et de couleurs
Le film est bien entendu destiné à défendre le droit des femmes. Ces trois actrices de fiction mettent en lumière la vie d’indiennes que Leena Yadav a pu rencontrer. Si la poussière a pris une grande place dans la maison de ces petits villages, à l’image des traditions ancestrales, la lumière donne un éclat particulier. Si le scénario est parfois sombre, les couleurs sont vives et le visage de ces épouses et mères, si belles et gracieuses, rappellent qu’il y a un espoir lorsque l’on s’y met à plusieurs. Si un couple d’instituteurs décide de quitter le village pour cause de maltraitance sur le maître progressiste et ouvert, les amies décideront, elles, de rester et de changer la donne. Il est très surprenant, à la fin du film, de voir Rani laissé sa belle-fille, qu’elle s’était lourdement endettée pour avoir, retrouver le chemin d’un amoureux transit.

Le besoin d’être touchée
Ce que l’on observe tout au long de ce film est le besoin chez les femmes, même voilées, même celles que l’on ne voit pas et que l’on doit deviner, d’être touchée. La plupart ne connaissent pas les vraies caresses et le sentiment d’amour profond envers un époux. C’est alors que le romantisme n’est que plus exacerbé et les sensations physiques recherchées. Des stratagèmes seront alors découverts et appréciés,  comme celui de placer un portable en mode vibreur sous sa culotte ou d’entretenir des conversations téléphoniques excitantes avec un inconnu. La joie des protagonistes n’en sera que plus intense. Une scène peut marquer, celle de deux femmes, seins nues, se caressant délicatement avec de l’eau pour apaiser des blessures infligées à l’une d’elle. Une fois de plus, d’un début de scène difficile fait de plais et de pleurs, deux amies respirent de plus en plus fort, explorant le désir physique.

Parcours de la réalisatrice Leena Yadav
Après avoir vu un tel film, on se demande si celle que nous ne connaissions pas jusqu’alors s’inscrit depuis longtemps dans la production de réalisations engagées. Ce n’est pas le cas. Leena Yadav est surtout connue pour la réalisation d’émissions de télévision. La cinéaste est plus célèbre en qualité de productrice et monteuse que de scénariste. « La saison des femmes » (Parched) est son premier film international, récompensé au Festival international du film à Toronto. Ses deux précédents films n’avaient pas cette envergure. C’est alors une lutte que cette femme de 45 ans a dû mener pour diffuser son film dans le pays, comme ce fut une lutte de le diriger sur place. On sort ici de Bollywood, où cette femme a eu le courage de capter la vraie vie de femmes vivant dans le viol et la violence. Comme l’exprime Leena Yadav dans une interview pour Télérama « il est temps de montrer ce qui fâche. Il faut briser les barrières, comme mes actrices l’ont fait ».

Ce film est à voir non seulement pour une réalisation éloignée de ce dont on a l’habitude, mais par son caractère profondément humain et encourageant. Les choses, au-delà de changer, peuvent évoluer, et c’est ce que présente Leena Yadav.

Bande annonce 

Le Petit Prince, film d’animation adapté du célèbre livre de l’écrivain Antoine de Saint-Exupery, est dans les salles depuis le 29 juillet 2015. Le réalisateur Mark Osborne nous offre un décor lumineux et contrasté.

Dimanche 3 janvier 2016. J’ai une envie de film sur grand écran. Ce qu’il y a de pratique à vivre en face d’une salle de cinéma qui propose 4 films, c’est que le choix est vite fait. Je regarde les bandes annonces accompagnée d’un temps plombant qui m’invite à la chaleur ! Je me décide donc à aller voir « Le Petit Prince ».

Relation mère et fille

Le début du film est consacré au rapport qu’entretiennent une mère et sa fille. La maman, souhaitant que son enfant intègre une prestigieuse école, fait travailler dur l’enfant au bandeau blanc. La discipline est stricte et ne laisse pas de place à l’improvisation. Ce qui coûtera à la fillette l’échec du premier passage d’examen. A s’être trop préparée à répondre à une question particulière, cette dernière restera muette face à une nouvelle (que serez-vous lorsque vous serez adulte?). Question pourtant affichée en grand dans un couloir lugubre où chacun attendait son tour.

La maman est bienveillante mais ne s’interroge pas sur les désirs de sa fille, persuadée qu’un prestigieux parcours la rendra heureuse. Elle décide alors de créer un « tableau de vie » où tout est organisé à la minute près. A l’aide d’une baguette, cette mère dicte ce que sa fille doit faire avec cette affirmation « tu deviendras une adulte exceptionnelle » . Qu’est-ce donc ?
Le tableau de vie est très significatif de ce que l’on peut dresser tout autour de nous pour parvenir à ce que nous souhaitons, et pour affirmer nos certitudes. C’est un avis personnel, bien entendu.
Une chose m’a intriguée chez cette femme, coiffée d’un chignon et doublée par la voix de Florence Foresti. Elle est impeccable sur elle et s’exprime très bien. En revanche, une mèche dépasse de sa coiffure parfaite. J’ai alors imaginé que cette mèche signifiait la rébellion d’un corps enfermé dans la rigueur. Une fois de plus, c’est une opinion qui m’est propre, mais ces cheveux ont suscité mon interrogation. Retenons que, contrairement aux autres « grandes personnes » du film, ce personnage est tout de même pétillant.

Un décor et un message

Le décor est gris et carré. Les hommes et les femmes sont affairés derrière leur ordinateur, sans sourire, sans lumière. Les rues sont parallèles et perpendiculaires. Il n’y a pas de place pour des courbes et de l’aléatoire. Il n’y a pas de verdure, pas de fleurs, pas de couleurs. La chambre de la petite fille est également sans vie. Mark Osborne, le réalisateur, a sans doute souhaité marquer le contraste entre une vie sans fantaisie et une vie laissant de la place à l’incertitude.

En évoquant l’exploration, un voisin bien particulier va semer le trouble dans cet espace. Sa maison m’a fait pensé au film d’animation « La haut », de Pixar. Du désordre, des objets éparpillés, une nature indomptée. Ici, un vieil homme barbu est tout aussi dispersé que les biens de sa propriété. Il est fantasque, vif et curieux. La joie de vivre de Charles Trenet résonne dans son jardin, « boum, le monde entier fait boum. » Il est effectivement improbable qu’il prenne le thé avec des voisins aseptisés. L’esprit grégaire des adultes empêcherait-il ces derniers de passer les portes, alors qu’ils peuvent si facilement passer les frontières ?

Un aviateur et une fillette

La petite fille reste une petite fille. Poussée par sa curiosité d’enfant, elle va être intriguée par un voisin qui ne ressemble pas aux adultes qu’elle a pour habitude de côtoyer. Alors qu’elle travaille sagement à son bureau, un avion en papier vient se poser sur son plan de travail. Elle le rejettera d’abord, puis s’intéressera à ce message. C’est de ce simple avion en papier que tout va commencer.

Si le cinéma et la littérature permettent d’illustrer nos utopies, ce film le fait tout aussi bien. Nous assistons souvent à des rencontres improbables à travers l’art. Que ce soit une question d’âge, d’origine ou de genre. La complémentarité de deux êtres complètement différents nous surprend toujours. Nous surprend, mais nous ravit également. C’est ce qui va se passer entre ces personnages que tout oppose. Chacun va alors apporter à l’autre ce dont il a besoin. Un peu d’ordre et de sérieux pour l’aviateur. Du lâcher prise et de l’amusement pour la fillette.
A l’image du petit prince et de son renard, la jeune fille va découvrir la joie de se lier à quelqu’un. Une joie certes dangereuse, mais essentielle et affirmée par de beaux aphorismes (dictés par le renard au sein du film) : « Mais si tu m’apprivoises, nous aurons besoin l’un de l’autre. Tu seras pour moi unique au monde. Je serai pour toi unique au monde. » ou encore « Tu es responsable de ce que tu as apprivoisé. »

Une histoire et deux styles

En évoquant la complémentarité des êtres, il y a la complémentarité des styles. Les images en stop motion accompagnant les images de synthèses apportent un rythme assez intéressant. On ne décroche pas. Les visages des personnages en infographie 3D sont apaisants et leurs discours me semblent être plus impactants qu’au sein d’une ambiance onirique. Beaucoup de douceur et une certaine lenteur apportent du poids aux propos. Je dis souvent que le voyage n’est pas que le fait de dépasser les barrages physiques, ce passage m’a par exemple particulièrement parlé :

« Le véritable voyage, ce n’est pas de parcourir le désert ou de franchir de grandes distances sous-marines, c’est de parvenir en un point exceptionnel où la saveur de l’instant baigne tous les contours de la vie intérieure. »

Un autre encore

« Si tu veux construire un bateau, ne rassemble pas tes hommes et femmes pour leur donner des ordres, pour expliquer chaque détail, pour leur dire où trouver chaque chose… Si tu veux construire un bateau, fais naître dans le cœur de tes hommes et femmes le désir de la mer. »

La possession et le partage

Autre moment important. Celui de ce personnage, animé en volume, et doublé par Vincent Lindon. Ce dernier possède de nombreuses étoiles que le petit prince et l’aviateur recherchent. Le petit prince ne semble pas comprendre ce désir d’avoir. L’homme, lui, rigole de vive voix lorsqu’il voit le petit être blond étonné. Ce grand baraqué représenterait-il la quête du pouvoir ? Mais si l’aviateur amasse dans sa maison, quelle est la différence entre cet homme d’affaire souhaitant lui aussi amasser toutes les étoiles ? Le partage. L’un montre à l’autre et l’autre souhaite les laisser emprisonnées dans une cloche. Une cloche, comme celle qu’envoie le père de la petite chaque année pour son anniversaire. Un père absent du scénario.
Ce film a soulevé beaucoup de questions. Il y a celle du besoin de posséder, celle de nos relations à l’autre et du danger de s’attacher. L’amitié et les liens que l’on tisse avec le temps. Ce qui est essentiel dans la vie et ce qui l’est moins.

L’essentiel est invisible avec les yeux, on ne voit bien qu’avec le cœur

Si le phrase « dessine moi un mouton » est très connue, il en est une autre également et c’est celle de cet intertitre. J’ai été bien longue pour exprimer les messages qui me semblent être importants. Il y a des films sans âme et il y a celui-là. Mon dimanche soir a été peuplé de questions. Des questions rhétoriques mais des questions quand même. Alors, pour ne pas perdre son âme d’enfant (message au cœur de ce film d’animation) tentons de nous montrer toujours ouvert aux autres et à leurs différences (classique n’est-ce pas, pourtant essentiel!).

Source des illustrations : http://bit.ly/1kHQEa9

Les petits plus :
La bande annonce
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